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Storytelling Personal para el Networking

Química visual — Thu, 01 Jul 2010 17:25:47 +0000

EADA Alumni, la asociación de antiguos alumnos de esta prestigiosa escuela de negocios, ha organizado a lo largo de este año el “EADA Networking Day”; una serie de eventos de networking centrados en la mejora de las habilidades profesionales.
Para cerrar el curso invitaron a Química visual a impartir una charla titulada “Storytelling personal. Cómo conseguir que cada encuentro sea memorable.” que se celebró el pasado martes el hotel Regina de Barcelona.

Este post recoge las principales ideas que presentamos, articuladas a partir del siguiente esquema:

La Fórmula

¿QUIÉN SOY?

Es algo que casi nadie se pregunta, y sin embargo, a partir de la respuesta que damos a esta cuestión construimos nuestra manera de pensar, sentir y actuar.
Todos contamos historias y, antes de contarlas a los demás, nos las contamos a nosotros mismos, ya que nuestra historia interna será la verdadera y se percibirá, aunque sea entre líneas.

Ejemplo: Una persona que ha perdido el trabajo a causa de una reestructuración de la empresa y que se siente víctima de la crisis económica, un jefe malvado, etc., aunque intente “vender” que es un gran profesional, el victimismo traspasará su discurso.

Por eso, el primer paso para construir la historia que queremos contar al mundo es preguntarnos quiénes somos. Sin emitir juicios ni valoraciones, sin apoyarnos en expectativas o miedos. Simplemente, se trata de enunciar quiénes somos (o quiénes nos sentimos) en el momento presente.

¿QUÉ QUIERO CONTAR?

La acumulación de información no es una historia. De hecho, las dos cosas no tienen casi nada en común.
Además resulta materialmente imposible trasladar toda nuestra vida, repleta de matices, detalles y momentos, a un relato único.

Por eso, es fundamental aceptar que la historia que contaremos tendrá un enfoque sesgado. (En el Storytelling, la objetividad y la imparcialidad no existen).

Elegiremos pues algunos momentos, situaciones y anécdotas. ¿Con qué criterio? El de incluir aquello que nos acerque más a nuestro objetivo.

Ejemplo:Si quieres explicar que eres experto en una materia, elige los aprendizajes y logros que ilustren tu capacidad.

TÚ / YO – CONECTAR

Nuestra aproximación al Storytelling y al Networking es semejante: se trata de conectar con el otro. De hallar un territorio común en el que ambos podamos reconocernos y construir una relación que sea de beneficio mútuo. Aquello que en biología se denomina relación simbiótica y que en el mundo de los negocios han preferido etiquetar de “win to win”.

Ejemplo: Si pones la atención en lo que tienes en común con otra persona (en lugar de fijarte en las diferencias), puedes descubrir que compartes temas como el golf, la paternidad, o el interés por un determinado autor. En este terreno común puedes empezar el diálogo.

LA EMOCIÓN

Las personas conectamos con otras a través de la emoción. Reconocemos la tristeza y la alegría en el otro y sentimos que estamos ante un ser humano que podemos entender. De ahí que escogeremos fragmentos de nuestra historia que tienen un significado emocional para nosotros. Así hablaremos de momentos decisivos (miedo), éxitos (alegría), proyectos (ilusión).

Ejemplo: No es tan importante lo que cuentas, como la emoción que transmites cuando lo hagas. Si demuestras entusiasmo al hablar de tu proyecto, tu interlocutor lo captará por encima de los detalles concretos que tal vez le resulten más lejanos.

EN RESUMEN…

El Storytelling nos puede ayudar a conectar con otras personas y construir relaciones. Para elaborar nuestra historia personal nos hemos de preguntar: ¿Quién soy yo? ¿Qué quiero contar? ¿Con quién quiero conectar? ¿Qué nos une? ¿Qué me emociona?

Y para conseguirlo, como hacía Robert De Niro en Taxi Driver, nada mejor que practicar, porque la naturalidad surge del ejercicio.

Tecnología y Conocimiento: el arte de contar historias en el s. XXI

Química visual — Fri, 25 Jun 2010 10:00:42 +0000

El mundo está en continua evolución. Y también la sociedad, por mucho que nos empeñemos en crear instituciones y preservarlas. El mundo cambia, y nosotros con él.

Si hay algo que no ha cambiado es la necesidad del ser humano de comprender el mundo en el que vive, no importa que ese deseo surja de la voluntad de dominio del entorno, de la curiosidad hacia lo desconocido o de cualquier otro impulso vital.

El hombre se cuenta el mundo para poder vivir en él. Y conoce el mundo a través de cómo se lo cuenta. Esta relación de mutua influencia crea una espiral de relatos en la que podemos incluir desde las leyendas tradicionales hasta las más avanzadas teorías científicas.

Para llevar a cabo ese proceso de comunicación (consigo mismo, con el otro), se ayuda de cualquier elemento que esté a su alcance y le facilite la labor. Dicho de otro modo: para construir sus narraciones el ser humano se vale de la tecnología que posee.
De nuevo surge una relación de influencia mutua: la tecnología de la que disponemos, a su vez, condiciona el modo en el que comprendemos el mundo.

Puede que algunas de esas tecnologías sean tan comunes que, simplemente, ignoremos su existencia. La más influyente y soterrada es, probablemente, el lenguaje oral.

Antes de la aparición de la escritura ya nos contábamos historias. El lenguaje hablado, las estructuras que maneja, el proceso que utiliza, todo ello sirvió para crear cierta tipología de historias, para configurar una visión del mundo.

La llegada de la escritura supuso una auténtica revolución, una nueva forma de contar. Ya no era necesaria la presencia física del narrador frente a un auditorio. El poseedor de un libro adquiría la capacidad de entrar en la historia donde y cuando quisiera.

Tras el nacimiento del texto escrito el cambio aún fue mayor con la aparición de un nuevo artefacto tecnológico: la imprenta, con su capacidad de generar muchas copias del mismo relato susceptibles de ser distribuidas a mayor distancia y abarcar una audiencia más numerosa.

Las nuevas tecnologías siempre aportan nuevas historias, nuevas visiones del mundo. Con cada incorporación, los tipos de relatos se ven abocados a coexistir, dándose con el tiempo las inevitables influencias mutuas.

Y es que las nuevas tecnologías no acaban con las que las preceden, simplemente se solapan a ellas, a pesar del pavor que toda novedad genera en lo que, a partir de ese momento, pasa a considerarse antiguo.

El ejemplo más reciente ocurrió en el siglo pasado: el miedo del mundo radiofónico ante la llegada del cine, el de éste frente a la televisión… ¡Y el de la televisión ante la aparición de Internet!

Probablemente, lo más característico del siglo XX sea el establecimiento del lenguaje audiovisual como elemento invisible en los procesos de comunicación.

Con una década cumplida en el siglo XXI, los elementos digitales resultan prácticamente omnipresentes, y constituyen parte fundamental del paisaje en el que vivimos.

Nuestro mundo es (o así lo vemos) una representación tecnológica del pensamiento postmoderno en la que impera el salto, el fragmento y la fractura, la remezcla de contenidos, de formas y de soportes.

Así definido, el relato transmedia es al mismo tiempo causa y efecto de nuestro mundo. Nos sirve para contarnos lo que ocurre y para configurar nuestra propia experiencia.

Esta mezcla, llevada al extremo, aúna lo digital y lo real, pues percibimos ambas como parte de un todo.

Vivimos en una sociedad altamente tecnificada, en la que los cambios se suceden de modo vertiginoso. Puede que ahora, debido precisamente a eso, necesitamos más que nunca historias que nos ayuden a comprender nuestra realidad.

El relato transmedia, accesible, plural y polimorfo puede ser el recurso más útil del que disponemos.

Este artículo se publicó originalmente en el blog Noticias Transmedia

El Monomito de Campbell, notas

Química visual — Fri, 14 May 2010 19:03:12 +0000

Gonzalo Álvarez Marañón es el creador del blog “El Arte de Presentar Cómo planificar, estructurar, diseñar y exponer presentaciones”. Resulta innecesario detallar el contenido esta obra. Publicado bajo Copyleft, “El arte de presentar” resulta un trabajo accesible, sensato y bien documentado.

Hace unos días Gonzalo Álvarez dedicó una entrada al mitólogo Joseph Campbell y a su trabajo más conocido “El héroe de las mil caras: Psicoanálisis del mito”.

Dado el espacio limitado de este tipo de textos, y puesto que la entrada señalaba el uso del Storytelling como una ayuda para la mejora de las presentaciones, creímos oportuno hacer un comentario que recuperamos aquí para los lectores de Química visual.

…

Buen post, como todos los de este blog.

Tan solo algunas puntualizaciones, que entiendo no has incluido en el texto para no alargarlo en exceso:

1.- La aportación de Campbell resulta indiscutible, aunque es necesario leerla con calma y contextualizándola.
Si no, se corre el riesgo de poner en práctica simplificaciones excesivas de su teoría, reduciéndolas a una fórmula rígida (contraria a lo que el propio texto de Campbell señala). Un ejemplo de ello lo tenemos en la miríada de manuales de guión cinematográfico “made in Hollywood” que circulan por ahí y que tanto mal han hecho.

2.- Esa contextualización incluye (entre otras ideas también relevantes) la influencia que C.G. Jung causó al exponer sus ideas al público. Curiosamente son pocos los que recuerdan esa conexión (y todavía menos los que exploran ese territorio). Y sin embargo, eso forma parte importante de la teoría de Campbell.

3.- El “monomito” puede/debe encarnarse en relatos que, necesariamente, deben evolucionar y adaptarse al contexto y público al que se dirigen. El propio Campbell expone esta idea en su obra “Las máscaras de dios”.
Cabe preguntarse: si muchos de los que citan a Campbell no se han leído las 350 páginas de “El héroe…” pues conocen su obra a través de referencias de terceros, ¿habrán consultado las más de tres mil de “Las máscaras…”?

4.- No todo relato adopta el ciclo completo del héroe. Algunos (y Campbell así lo indica) toman como protagonista a alguna de las figuras “secundarias” que aparecen en él. Sobre esto podríamos extendernos, porque las consecuencias de su aplicación pueden resultar reveladoras.

5.- Aclarar que partida, iniciación y retorno no tiene porque corresponderse a los tres actos de Aristóteles (inicio, nudo y desenlace).

Para terminar, señalar que una historia no tiene porqué funcionar por el simple hecho de ser una historia.
El Storytelling es sin duda una herramienta muy poderosa, aunque hay que saber emplearla. Dicho de otro modo: hay que comprender cuál es la historia que queremos contar en cada momento, y hay muchos factores que pueden influir en la elección de una u otra.

Un último apunte:
los cinco puntos que señalas como esquema o estructura de una presentación me parecen muy bien planteados.
(Aunque Campbell no tiene nada que ver con ellos, ¿no? ;-D)

Aprovecho para, desde Química visual, felicitarte una vez más por tu estupendo blog.

Nos seguimos leyendo!

…

Y esta es la respuesta de Gonzalo Álvarez Marañón, en la que aporta más información sobre el asunto:

…

Muchas gracias por tu extenso y profundo comentario. Has arrojado mucha luz sobre este tema que, como dices, está trivializándose, posiblemente a raíz de que el ejecutivo de Hollywood Christopher Vogler lo adoptara para evaluar el potencial de miles de propuestas de guiones, lo que condujo a que incluso la revista cinematográfica “Spy” denominara a este esquema narrativo “la nueva biblia de la industria”.

Por supuesto, recomiendo la lectura completa del libro de Campbell, y a los que sean más perezosos (porque hay que reconocer que su lectura es árida), que se queden con el siguiente esquema:

http://es.wikipedia.org/wiki/Camino_del_héroe

…

Lo dejamos, de momento. Esperamos vuestros comentarios, aquí y en “El Arte de Presentar”.

Las cosas del fútbol

Química visual — Wed, 24 Mar 2010 09:31:18 +0000

Se ha hablado mucho del “vídeo de Guardiola” aunque, que yo sepa, nunca desde el enfoque que aquí propongo.
Mi intención es iluminar partes del asunto que hasta la fecha habían quedado en la sombra para, una vez expuestas, resaltar algunos elementos del Storytelling que a mí me parecen fundamentales.

Desde hace mucho, el Barça ha utilizado slogans que buscan motivar no solo a los jugadores sino también y sobre todo a su público. Uno que caló hondo y se grabó en el inconsciente colectivo es el conocido: “El Barça es més que un club” (“El Barça es más que un club”).
El slogan, especialmente ambiguo, ha alimentado el imaginario popular y ha superado todas las expectativas. No se dice qué es exactamente el Barça, con lo que se deja a la libre interpretación de cada uno. Ingenioso, ¿verdad?
Esa simple frase sirve de paraguas para que familias, trabajadores y empresarios, ciudadanos de a pie y políticos se sientan hermanados. Barceloneses, catalanes, inmigrantes y emigrantes, todos se unen bajo la bandera blaugrana.

¿Todos? Todos todos, no, claro. Siempre hay excepciones. En este caso existe la clásica competencia con el Real Madrid. Una rivalidad deportiva que resulta rentable para ambos equipos, y que se ha extendido a otros ámbitos como el informativo, el político o el cultural.
Es lo que podríamos calificar como “efecto percha”. El Barça, un equipo de fútbol, se convierte en algo del que colgar otras cosas. Y es que, para muchos, ese “més que un club” quiere decir que el Barça es, o representa, a Cataluña.

Llegados a este punto, es fundamental entender algunas de las señas con las que el ciudadano catalán se siente identificado.
El catalán es trabajador, esforzado y voluntarioso. En resumen, lo que aquí llamamos “un bon jan”. La traducción sería “un buen chaval”, sin connotaciones peyorativas de ningún tipo, más bien con una dosis importante de cariño y apreciación positiva.
Para mí no es casual que, más allá de su valía profesional, Guardiola esté funcionando tan bien como entrenador: es la encarnación del tipo de joven que pondríamos como modelo a imitar.

Prosigamos. Cuando el club (¡que es más que un club!) ficha a un jugador extranjero, lo primero que el recién llegado debe entender es precisamente eso: que “El Barça es més que un club”. Y, ya puestos, su vida profesional mejorará cuando comprenda que en Cataluña el idioma es seña de identidad, por lo que resulta perentorio que aprenda a decir algunas palabras en catalán. A partir de ese momento tiene garantizado que la afición le adorará (tanto o más que si mete muchos goles).
Lo que tal vez se le escape es algún matiz de la lengua que denota ese carácter específico. Aquí, cuando alguien requiere tu atención, son habituales expresiones como “mana’m” (“mándame”), en lugar de un simple “dime” o un “¿Qué quieres?”.
Aunque sólo se trata de un ejemplo, espero en que sirva para configurar esa auto-imagen que el ciudadano catalán tiene de sí mismo. Y es que, por norma general, cuando los catalanes nos miramos al espejo nos vemos como gente honrada a carta cabal. Sufridos, pero con una entereza moral indiscutible. Tanto, que algunos no dudarían en tildarla de superioridad.

Y es que, por norma general, los catalanes llevamos un masoquista dentro. ¿Quieren otra prueba? Mientras en muchos países se celebran las victorias, en Cataluña hemos institucionalizado como fiesta nacional el 11 de septiembre. Ese día conmemoramos la fatídica fecha, allá por el año 1714, en que las tropas borbónicas de Felipe V entraron en la ciudad de Barcelona tras catorce meses de sitio y abolieron las instituciones catalanas.
¿sí?

Volviendo al fútbol: es esa mezcla de altanería y masoquismo la que, liga tras liga, año tras año, arrastra al público al estadio o frente al televisor con la esperanza de alcanzarse con la victoria.
Y en esto radica la genialidad de la maniobra de marketing del Barça: gracias a esta apropiación de los ideales catalanes, la victoria está garantizada.
¿Cómo dice? Pues eso, que el Barça siempre gana. Incluso cuando pierde. Puede que en esas ocasiones, más.
¿Cómo es posible? Gracias de nuevo a la identificación con los valores nacionales. Y, si no me creen, lean esta famosa cita del tristemente desaparecido presidente Lluís Companys: “Tornarem a sofrir, tornarem a lluitar, tornarem a véncer.” (“Volveremos a sufrir, volveremos a luchar, volveremos a vencer”).
Es decir, si hoy gano, gano. Y si hoy pierdo, es señal de que mañana ganaré (además de que hoy , moralmente, me siento victorioso). Impresionante, ¿no?

Y, ahora sí que sí, es cuando volvemos al tema que enuncié en principio. ¿Lo recuerdan? El vídeo, eso es.
El Barça, en una temporada espectacular, llega a la final de la Champions.
El entrenador, (un “bon jan”, no lo olviden), quiere animar a sus hombres y decide pasarles un “vídeo motivacional”. Son siete minutos diez segundos de un remontaje de algunos de los planos de la película “Gladiator” (¿estaría al tanto la SGAE?), remezclados al más puro estilo posmoderno con imágenes de los propios jugadores en situaciones claramente identificables.
Sí, ritmo trepidante y música épica, la de la propia película (Teddy, apunta: el video sigue colgado en Youtube). Hasta aquí, la información conocida.
Ahora, yo me pregunto (aunque estas escenas no se visionen en el remontaje): ¿a quién se le ocurriría poner imágenes de una película que, por muy épica que resulte, termina con la muerte del protagonista?
Y no hablo de Santi Padró y Jordi Gayà, autores materiales.
Me refiero a… ¿Qué tipo de persona querría motivar a su gente presentándoles a un hombre que, se sabe, va a morir?

Aquí es a donde quería llegar.
Sé perfectamente que se entremezclan otros factores que obvio: Spielberg o Pavlov les podrían hablar de ellos durante días. Y, aún prescindiendo de ellos, resulta evidente que sólo alguien que conozca bien el carácter de su público puede jugar semejante baza.
Sacrificio, Puccini, hombres sudados, fuegos artificiales, estadios vociferantes y jugadores del Barça en momentos gloriosos. Todo mezclado a la “Maria Antonieta” (la de la Coppola) y suministrado a oscuras, en comunión, antes de volver “a la arena”.

Me dirán: noooo. No puede ser. Lo de que sean imágenes de Russell Crowe, el héroe que muere aunque moralmente vence al zafio emperador, es casual.
Yo mismo me lo he dicho en varias ocasiones, pero mi olfato de storyteller me ha llevado la contraria. El buen narrador conoce a su público.
¿Que no?

La confirmación me vino el otro día cuando, leyendo la prensa, descubrí que en el partido contra el Málaga, “bon jan” Guardiola había echado mano una vez más de los “vídeos motivacionales”.
Esta vez no se trataba de imágenes de un Russell Crowe abocado a la muerte. Ni siquiera eran imágenes de ficción. En esta ocasión (¡Arriba la posmodernidad!) se recurrió a un documental. ¿Y entonces?
Déjenme exponer el contenido del video: se trataba de imágenes que contaban cómo, en mayo de 2008, una expedición formada por quince alpinistas intentaba rescatar a Iñaki Ochoa en el Annapurna. Sobra decir que la misión fue infructuosa: el montañero no logró sobrevivir.

¿Siguen creyendo que es casual? No insistiré más. Les dejo con sus reflexiones y con un fragmento de un bello poema de Salvador Espriu, epítome de la catalanidad: “Assaig de Càntic en el temple” (“Ensayo de cántico en el templo”).

“Però no he de seguir mai el meu somni
i em quedaré aquí fins a la mort.
Car sóc també molt covard i salvatge
i estimo a més amb un
desesperat dolor
aquesta meva pobra,
bruta, trista, dissortada pàtria”.

“Pero no debo seguir nunca mi sueño
y me quedaré aquí hasta la muerte.
Aunque soy también muy cobarde y salvaje
y quiero además con un
desesperado dolor
esta mi pobre,
sucia, triste, desdichada patria”.

Storytelling para principiantes (1)

Eva Snijders — Wed, 24 Feb 2010 10:43:08 +0000

Banda sonora: “Janis Joplin – Pearl” (por recomendación de Lucia Castro)

Éste es el primer post de una serie sobre Storytelling. Si quieres descubrir cómo empezó todo, lee el post anterior.

Empecemos por el principio: ¿Qué es Storytelling?

La respuesta fácil sería recurrir al diccionario inglés-español. Encontraríamos que “Storytelling es el arte de contar historias” (que no, aunque también: cuentos). Siguiendo por esta vía, un Storyteller sería un contador de historias, un narrador.

Y nos quedaríamos más o menos igual. ¿O no?

Tal vez previamente tendríamos que preguntarnos: ¿Qué es una historia?

Una historia es la relación de cualquier aventura o suceso (según la sexta acepción de la RAE)

Entonces Storytelling sería el arte de relatar o narrar cualquier aventura o suceso.

¿Mejor?

Espera, que ahora viene lo bueno: Storytelling es algo que hacemos todos los seres humanos a diario. Es la forma natural que tenemos las personas de entender nuestro mundo y las cosas que nos pasan (las historias que nos contamos a nosotros mismos) y también la que tenemos para compartir nuestra visión con los demás (las que les contamos y nos cuentan los otros).

Es la tertulia política, y también la conversación en el bar el lunes después del partido. Es una presentación de producto y también el repaso de la vida de los famosos. Es nuestra respuesta al “perquè de tot plegat” (“el porqué de las cosas”, con permiso del señor Monzó).

También es el chiste, la anécdota. La película que nos hace reír o la novela que nos hace llorar. El discurso político que nos saca de nuestras casillas y nos cabrea.

La palabra Storytelling abarca muchos conceptos. ¿Cuál es el denominador común a todos ellos?

Storytelling es aquello que nos emociona y nos conecta con otros seres humanos.

Y nuevamente os invito a plantear vuestras preguntas sobre Storytelling en los comentarios. Las iremos contestando entre Montecarlo y yo.

También podéis enviarlos por twitter a @quimica_visual, @imastranger o @evasnijders.

Cómo empezó todo: Storytelling para principiantes

Eva Snijders — Wed, 24 Feb 2010 09:30:10 +0000

El domingo por la noche, Ferran Pallàs lanzó la siguiente pregunta al ciberespacio:

Marta Abella le contestó (¡gracias, Marta!):

Yo no me enteré hasta el lunes por la mañana (una, que tiene la mala costumbre de celebrar los fines de semana lejos del ordenador y del trabajo), que es cuando le contesté a Ferran:

Y seguimos la conversación:

Ya que Ferran no tiene preguntas concretas, me las plantearé yo. De momento tengo: ¿qué es el storytelling?, ¿de dónde viene?, ¿a dónde va?, ¿para qué sirve?, … Éstas eran evidentes y fáciles de pensar. ;-)

Ahora, creo que será más divertido ir contestando vuestras dudas sobre storytelling. Así que os invito a dejarlas en los comentarios. Las iremos contestando entre Montecarlo y yo.

También podéis enviarlos por twitter a @quimica_visual, @imastranger o @evasnijders.

Doy por inaugurada la conversación “Storytelling para principiantes”.

¡Al fin, Perdidos! (y 3)

Química visual — Fri, 19 Feb 2010 08:00:33 +0000

Llega la última temporada de “Perdidos” y la pregunta sigue en el aire: ¿cómo acabará la serie?

Ésa es, sin duda, una pregunta natural. Surge de la curiosidad de los espectadores por saber qué sucede: el inevitable “¿y qué más?” o el “¿y luego qué?” llevado al extremo. Porque los finales van de eso: de comprender, aunque a menudo el entendimiento se lleve a cabo a nivel emocional más que racional, por lo que el espectador no es muy consciente de ello.
Y es que queremos llegar a la conclusión del relato, saber que aquello que se nos presentaba en un equilibrio inestable e insostenible, por fin se asienta y reposa. El regreso del orden, sea el que sea, siempre es bienvenido. Es una manera de tranquilizar nuestras mentes, de reafirmar nuestras creencias y de evitarnos vivir en un mar de eternas dudas. Es la manera que tiene el ser humano de cerrar un tema para poder fijar su atención en el siguiente.
Eso sí, queremos un final que, a un mismo tiempo, nos satisfaga y nos sorprenda.

Retomando nuestro primer post sobre “Perdidos”, citamos de nuevo la frase de Hitchcock: no hace falta que el final sea feliz, basta con que sea coherente. Y es que esa pregunta de “¿cómo acabará la serie?”, fruto de nuestra ignorancia como espectadores, en realidad encierra otra cuestión mucho más profunda.

¿De qué iba la serie?

Una pregunta que tal vez no nos hagamos conscientemente (un gran sector del público sólo busca “entertainment”) pero que seguro que ronda en algún rincón oscuro de nuestros cerebros. ¿Cuál era la historia? ¿Qué temas trataba la serie y cómo se posicionaban ante ellos sus creadores?
Para todos los que lo han vivido como un juego, la pregunta podría ser: ¿qué esperamos aprender con “Lost”?

Probablemente habréis oído decir que las historias son el reflejo de la mente colectiva de la cultura que las desarrolla. Y, a día de hoy, eso que se ha dado en llamar “nuevas series de televisión” se ha convertido en nuestro imaginario colectivo: las series de televisión son nuestras historias. Así que, en el realidad, las ficciones televisivas son las historias que nuestra sociedad emplea para explicarse a sí misma.

Recuerdo un conocido proverbio zen: “la mente turbia es como un espejo del mundo, la mente limpia es como una ventana al mundo”. Eso me hace pensar en cómo nos aproximamos a éstas, nuestras historias. Las series como un espejo, las series como una ventana.

Volvamos a la pregunta central: ¿de qué iba, la serie?

“Lost” va de perdidos. De que estamos perdidos. O de que nos sentimos así. Por mucho que la ficción se haya situado en una isla remota, por mucho que los elementos fantásticos hayan copado el primer plano de la historia, lo que realmente nos ha atrapado es la actitud y las reacciones de cada uno de los protagonistas. No en vano se trata de una serie coral en la que cada espectador ha podido encontrar una figura con la que identificarse, una situación que le resultaba extrañamente familiar.
No sólo los personajes de la serie están desorientados y recelosos: el desconcierto también se apodera de los espectadores, que episodio a episodio han entrado en esa extraña y maravillosa comunión que sólo nos brindan las buenas historias.

Una última reflexión: aunque, como apuntábamos en la anterior entrega, “Perdidos” no sea una serie 2.0, el espectador mantiene intacto su derecho de interpretarla como mejor le parezca.
Que “Lost” sea un espejo o una ventana es una decisión de cada uno de nosotros, algo individual e intransferible.
Y tú, ¿cómo lo ves?

¡Al fin, Perdidos! (2)

Química visual — Fri, 12 Feb 2010 09:40:11 +0000

¿Es “Lost” una serie mediática? ¿Un serie transmedia(tica)? Para mí “Perdidos” es, sobre todo, una serie enigma.
La afición de J.J. Abrams por el mundo de las incógnitas, los acertijos, las paradojas y los “Easter eggs” es ampliamente conocida. (Como muestra podéis repasar su colaboración como editor en un número de la prestigiosa “Wired”).

Por supuesto que “Perdidos” no se ha limitado a llevar una vida televisiva. A lo largo de estos seis años de existencia también han aparecido otros productos como novelas, merchandising, juegos, mobisodios y demás, pero en la mayoría de los casos no ha sido para ampliar o profundizar en las principales tramas del relato, sino para satisfacer la necesidad del fan de consumir algo relacionado con la serie en los tiempos muertos, entre temporadas televisivas.

Y es que, por mucho dinero que dé el merchandising, en el caso de “Lost” el buque insignia de la marca ha sido y sigue siendo la serie de televisión.

Aún falta tiempo para que la normalización de los relatos transmedia sea una realidad. Su trayectoria y desarrollo es equiparable a la de los e-books, que aún no son verdaderamente hipertextuales, pues no se han escrito con ese propósito en mente. Sí, se han implementado con algunos recursos digitales, pero en lo fundamental siguen siendo textos convencionales escaneados.
Falta, sobre todo, consolidar el modelo de negocio, implantarlo para lograr que sea rentable. Una vez alcanzado eso, el mercado demandará a los creadores productos que exploren (y exploten) las posibilidades del mundo digital.

Ahora bien, si “Perdidos” no tiene una identidad de serie transmedia (aunque haya utilizado ciertos recursos que lo son), sí es una serie que utiliza los social media para publicitarse (o para que sus fans lo hagan por ella). En esto, como en otras muchas cosas, J. J. Abrams ha ido aprendiendo y mejorando por el camino.

Probablemente, el año en que se emitió por primera vez la segunda temporada de “Perdidos” pasará a los anales de la historia de los Social Media. Fue un momento de fiebre desbocada.
“La Red trabaja para ti, tú trabajas para la Red”. “Tú construyes la marca”. ¿Sigo? Todos esos tópicos que aún seguimos leyendo/escuchando a diario, se pusieron en práctica y dieron resultados. ¡Y qué resultados! Los creadores de la serie entraron en un peligroso juego: escuchar todo lo que se decía en foros, blogs y redes sociales… ¡Y desmentirlo! J.J. Abrams y su equipo jugaron con su audiencia a “el ratón y el gato” on line. ¿Quién les iba a decir que acabarían ocupando el lugar del ratón?
Lo que en principio pareció un buen reclamo publicitario se convirtió en una locura. Montañas de teorías aparecían tras la emisión de cada capítulo, especulando a partir de la nueva información recibida. J.J. y los suyos se encontraron corriendo hacia delante y mirando hacia detrás… con la sombra de la productora sobre sus cabezas. Porque, recordémoslo, estamos hablando de una serie de televisión, con todas las limitaciones y presiones económicas que conlleva.

Uno se pregunta en qué momento de este proceso la ABC pactó con los creativos desarrollar “Lost” hasta alcanzar el final que, supuestamente, conoceremos esta temporada, y cuáles son los términos de dicho acuerdo. (En cualquier caso las conspiraciones de los palacios televisivos quedan fuera de las intenciones de este post).

Sea como fuese, el diálogo descontrolado dio pie a un cambio de estrategia que ha desembocado en una política de férreo hermetismo. ¡Nadie puede saber el final de antemano! Los guiones de la serie se han convertido en uno de los secretos mejor guardados. Hay demasiado dinero en juego.

Sería interesante estudiar la utilización de los Social Media llevada a cabo en la segunda temporada de “Lost” y compararla con la campaña que el propio Abrams orquestó durante meses alrededor de un proyecto del que se desconocía todo (hasta el nombre) y que terminó llamándose “Cloverfield”(“Monstruoso” en su versión española).
La actividad en la Red alrededor del fenómeno corrió como la pólvora, sin importar que llevara a pistas falsas o a callejones sin salida. Para no entrar en polémicas inútiles quiero aclarar que no hablo de éxito comercial, sino de éxito mediático. Y “Cloverfield” lo fue, eso es indiscutible.
Eso sí, en esta ocasión el diálogo no se llevó a cabo “de igual a igual”. Abrams recuperó el tono de “juego-enigma” que le es tan caro y en el que tan bien se desenvuelve.

¿Y el público? ¿Qué ha hecho, mientras tanto? Los fans han aceptado las nuevas reglas del juego y siguen a sus héroes, on y off line. Rastrean imágenes, textos, diálogos: esperan dar con alguna pista o que se produzca alguna filtración que alimente su imaginario. ¡Por supuesto que hay filtraciones, eso forma parte del juego! Sociedad 2.0 sí, pero con mesura.

J.J. Abrams, su equipo y sus fans, juntos pero no revueltos, constituyen una comunidad que aprende sobre la marcha. Experimentan, pulen y mejoran. Juegan y se divierten, sufren y disfrutan, mientras esperan ese final de partida que pronto conoceremos.

¡Al fin, Perdidos! (1)

Química visual — Wed, 10 Feb 2010 13:31:37 +0000

Ya está aquí. Vuelve “Perdidos”… por última vez. La serie regresa para despedirse. Tras cinco temporadas (sin contar la que hoy se estrena) el equipo de “Lost” pone fin a la aventura.

Sus seguidores se preguntan: ¿cómo acabará? ¿Se desvelarán por fin todos los misterios? ¿Se cerrarán todas las tramas que se han ido abriendo y entrecruzando a lo largo de estos años?

Recordad el final de “Los Soprano”, una serie que llevó a todo el equipo artístico a lo más alto del Olimpo de la ficción actual (no sólo del televisivo) y que grabó en los corazones de los espectadores los nombres y los rostros de los miembros de esta singular familia. David Chase, creador, productor y responsable creativo del invento, siguió los consejos que Hitchcock le dictara en su día a Truffaut: una historia no tiene porque tener un final feliz, basta con que sea convincente. Y el de “Los Soprano”, sin duda, lo fue.

(Spoiler) La serie acabó en el mismo punto en el que había empezado: con Tony Soprano al cargo de su familia (la parental y la mafiosa), solucionando los problemas de una y otra. Eso sí es fidelidad a un modelo. Chase y su equipo cumplieron hasta el último momento con el compromiso de narrar un “slice of life” de la vida de los Soprano. Fue un final creíble, consecuente y, a mi modo de ver, valiente, brillante y, sobre todo, acorde con la naturaleza de la historia.

Claro que no todos pensaron lo mismo: al día siguiente de la emisión del último episodio en Estados Unidos, un número considerable de suscriptores solicitaron la baja de HBO, el canal que había acogido y apoyado la serie desde su nacimiento.

No, no sé como acabará “Perdidos” pero sí sé que, por muy hábil que sea J.J. Abrams, le ocurrirá lo mismo que a Chase y tampoco será capaz de contentar al 100% de su público.
Nunca llueve a gusto de todos.

Sea cual sea el desenlace (incluso si se trata de un “efecto bucle”, un final abierto o varios finales alternativos) resulta improbable que satisfaga las expectativas de todos sus seguidores. Hasta que llegue el momento de emisión del último episodio, sólo podemos especular. Una línea de reflexión, recordando el ejemplo citado de “Los Soprano”, es explorar la naturaleza de la serie, para así intentar dar con un final acorde.

Lo que sí sé es que Hitchcock, como buen narrador, sabía de qué hablaba y J.J. Abrams no va a ser menos.

El agujero del Donut®

Química visual — Wed, 27 Jan 2010 09:00:21 +0000

En marzo de 2009 se anunció que se dejaba de comercializar la clásica caja de una docena de Donuts®. En su lugar aparecía un nuevo envase: un paquete unitario, un Donut® envuelto en plástico. La explicación facilitada en su momento fue que se pretendía mejorar las condiciones higiénicas y la durabilidad del producto.

Para apoyar el lanzamiento se regalaron unidades con el nuevo envase y se emitió un spot televisivo protagonizado por un conocido actor español. El argumento de venta del anuncio era que, gracias a las características del nuevo pack, podías desayunar en tu casa porque “tus Donuts® se mantienen tiernos durante toda la semana“.

Lo que sigue no es una leyenda urbana, algo que le pasó a un amigo de un amigo de un amigo, es algo que seguro todos habéis protagonizado en un momento u otro de vuestras vidas: es temprano y aunque ya estás en la calle todavía tienes sueño. Entras en un bar, te sientas a la barra y pides un café. Mientras el camarero lo prepara observas el expositor que hay frente a ti. Vacío. Perfecta y tristemente vacío. Llega el café, precedido de un olor fuerte y amargo. Piensas: “sería estupendo comer algo que me ayudara a ingerirlo. Algo delicioso que me haga empezar bien la mañana”. Vas a preguntar, a sabiendas de que la respuesta va ser un no. Y, en ese momento, se abre la puerta del local. ¡Efectivamente, es él! Un hombre llega al rescate. Porta entre sus manos una bandeja con unas cuantas cajas de… ¡Donuts® recién hechos!
Ese repartidor anónimo acaba de salvarte el día.

Hace una semana (el 20 de enero) apareció en la prensa este titular: “Panrico® resucita el Donut® a granel”. Le acompañaba una nota breve que resumía los cambios directivos sucedidos en la empresa en los últimos años y la intención de que, a partir de ahora, ambos formatos “unitario” y “granel” coexistan en el mercado.
Nada más.

No perdáis el tiempo visitando la web de la empresa. Un simple banner anuncia lo que ya os hemos contado: el regreso de los Donuts® sin envasar en bares y panaderías. Si clickáis sobre él, pasaréis a la página del producto, en la que en primer lugar aparecen… ¡los Donuts® monodosis!

Aunque no han dado cifras concretas, resulta evidente que la vuelta del producto a su presentación clásica se debe al descenso de ventas.
Quien fuera que ideó la estrategia de venta del producto y las diversas formas de presentación se equivocó. Y lo hizo, probablemente, porque ignoró el verdadero valor del producto.
Del mismo modo que la empresa familiar dio paso al fondo de capital riesgo, lo viejo dio paso a lo nuevo: la profilaxis, el interés personal, la comodidad y el sentido práctico salían victoriosos… o eso pareció durante unos meses. Un año después los Donuts® regresan por docenas, aunque sólo nos hayamos enterado por una nota en la sección de economía o por un banner más solitario y triste que cualquier barra de bar.

Ahora era el momento de contar una gran historia: de reconocer que las empresas (los directivos responsables de ellas) comenten errores. Era la ocasión de aceptar públicamente que el consumidor conoce y valora mucho más el producto que el fabricante. Ésta era la oportunidad para apreciar las inmensas posibilidades que estas situaciones brindan, dar las gracias a los clientes y devolverles con todos los honores el producto original. ¿Alguien puede imaginar una situación mejor para que se llevara a cabo esta comunión entre cliente, marca y fabricante? Como decíamos, ha pasado una semana y no ha pasado nada más.

En estos tiempos en los que tanto se habla de conocer a tu cliente, deberíamos empezar por conocernos a nosotros mismos (y a nuestros productos) y entender qué compartimos.
¿Cuál es el valor de un Donut®? O mejor aún, ¿Qué es un Donut®? Si queréis saber nuestra opinión, os la contaremos cuando nos encontremos una mañana de éstas frente a un café… y unos Donuts®. Los nuestros, por favor, que sean a granel y con agujero.